ศิลปินช่วยยกอเมริกาออกจากภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ สิ่งนั้นจะเกิดขึ้นได้อีกไหม?

ในขณะที่การว่างงานเพิ่มสูงขึ้น การเน้นที่ศิลปินของ WPA แสดงให้เห็นถึงเส้นทางสู่การฟื้นตัว

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โดยเป็นส่วนหนึ่งของข้อตกลงใหม่ของแฟรงคลิน รูสเวลต์และ ความพยายามใน การบริหารความก้าวหน้า ของงาน รัฐบาลกลางจ้างศิลปินมากกว่า 10,000 คนเพื่อสร้างผลงานศิลปะทั่วประเทศในหลากหลายรูปแบบ ไม่ว่าจะเป็นภาพจิตรกรรมฝาผนัง โรงละคร วิจิตรศิลป์ ดนตรี การเขียน การออกแบบ และอื่นๆ เป็นส่วนหนึ่งของแผนกระตุ้นการฟื้นตัวของเศรษฐกิจสำหรับประเทศที่ได้รับผลกระทบจากภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ ความยากจนที่แพร่หลาย และการว่างงานสูง

แต่มันก็เป็นมากกว่านั้นมาก ระหว่างสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง โครงการศิลปะที่ดูแลโดย WPA ซึ่งรวมถึงโครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐ (เน้นที่วิจิตรศิลป์) เช่นเดียวกับการริเริ่มในสาขาอื่น ๆ – มีขึ้นเพื่อช่วยให้สหรัฐอเมริกาพัฒนารูปแบบศิลปะที่แตกต่างออกไป การทำ. สิ่งนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งในท่ามกลางช่วงเวลาแห่งประวัติศาสตร์ที่กระแสชาตินิยมที่เพิ่มขึ้นในส่วนอื่น ๆ ของโลกกำลังนำรัฐบาล (ดำเนินการโดยบุคคลเช่นสตาลินและฮิตเลอร์) ในการกำกับและควบคุมงานศิลปะที่จะฉายกรอบทางอุดมการณ์ของตนเองต่อประชาชนและ โลก.

ศิลปิน WPA หลายคน เช่น Dorothea Lange, Jackson Pollock, Walker Evans, Aaron Douglas, Jacob Lawrence และคนอื่นๆ อีกหลายพันคน ได้สร้างผลงานที่โดดเด่นซึ่งรวบรวมประสบการณ์แบบอเมริกันในขณะนั้น งานอื่นๆ ที่มีชื่อเสียงน้อยกว่านั้นกลายเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตชุมชน เนื่องจาก WPA มุ่งเน้นที่การสร้างงานศิลปะสาธารณะและส่งเสริมการศึกษาด้านศิลปะทั่วประเทศ

ในบางแง่ 2020 รู้สึกเหมือนปี 1935 มาก: การว่างงานในสหรัฐฯ อยู่ในระดับสูง ภาวะถดถอยกำลังคืบคลานเข้ามา และมีความจำเป็นที่ชุมชนจะต้องรวมตัวกัน ดังนั้นฉันจึงสงสัยว่าโครงการศิลปะแห่งชาติและโครงการริเริ่มที่คล้ายกันทำงานอย่างไร ศิลปินมีข้อจำกัดและเสรีภาพอย่างไร และโครงการดังกล่าวอาจใช้ได้ผลในปัจจุบันหรือไม่ ดังนั้นฉันจึงโทรหาโจดี้ แพตเตอร์สันหัวหน้าฝ่ายประวัติศาสตร์ศิลปะของรอย ลิกเตนสไตน์ และรองศาสตราจารย์ที่มหาวิทยาลัยแห่งรัฐโอไฮโอ เพื่อสอบถาม Patterson เป็นผู้เขียนหนังสือModernism for the Masses: Painters, Politics และ Public Murals ที่กำลังจะออกในปี 1930 ที่นิวยอร์ก จากสำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเยล และศึกษาปฏิสัมพันธ์ระหว่างศิลปะกับการเมืองในศิลปะอเมริกันในศตวรรษที่ 20 เราได้พูดคุยเกี่ยวกับต้นกำเนิดของโปรแกรมศิลปะ WPA บทบาทของศิลปะสาธารณะ และความคิดที่เปลี่ยนไปเกี่ยวกับวัตถุประสงค์และความหมายของศิลปะอาจส่งผลต่อความพยายามใดๆ ในการเริ่มโครงการศิลปะของรัฐบาลกลางใหม่ในวันนี้

Alissa Wilkinson

โครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐและโครงการศิลปะที่เกี่ยวข้องเกิดขึ้นได้อย่างไร?

Jody Patterson

สิ่งหนึ่งที่ต้องคำนึงถึงคือโครงการศิลปะของรัฐบาลกลางเป็นส่วนหนึ่งของความคิดริเริ่มที่ใหญ่กว่าและกว้างกว่ามาก: WPA, Works Progress Administration ซึ่งเป็นโครงการที่มองเห็นได้ชัดเจนมาก – การเตรียมปั๊ม, ทำให้ผู้ว่างงาน [ทำงาน], รักษา ทักษะของพวกเขา ทำให้พวกเขากลับไปทำงาน ซึ่งรวมถึงทุกอย่าง เช่น การสร้างเขื่อน สะพาน และถนน

วิสัยทัศน์ของรูสเวลต์ที่ไม่เหมือนใครคือเขาได้รวมวัฒนธรรมไว้ในข้อกำหนดเหล่านั้น การที่ศิลปะเป็นส่วนหนึ่งของข้อตกลงใหม่ที่ยิ่งใหญ่กว่ามากสำหรับประชาชนชาวอเมริกัน ซึ่งเป็นข้อพิสูจน์ถึง “ ชีวิตที่อุดมสมบูรณ์มากขึ้น ” ที่เขายังคงเน้นย้ำอยู่ท่ามกลางภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่—เป็นกุญแจสำคัญจริงๆ

Federal Art Project เป็นส่วนหนึ่งของสิ่งที่เรียกว่า Federal One ซึ่งมีโครงการไม่เพียงแค่สำหรับวิจิตรศิลป์เท่านั้น แต่สำหรับโรงละคร สำหรับการเขียน และสำหรับดนตรีด้วย มีดัชนีการออกแบบ เป็นแง่มุมหนึ่งของโครงการที่มีความหลากหลายและหลากหลายอย่างแท้จริง

อีกสิ่งหนึ่งที่สำคัญที่ต้องคำนึงถึง: การผลิตงานศิลปะ การรับงานศิลปะ ผู้ชม การอุปถัมภ์ หอศิลป์ พิพิธภัณฑ์ ทั้งหมดนี้มีศูนย์กลางอยู่ในใจกลางเมืองเพียงไม่กี่แห่ง เช่น นิวยอร์กและลอสแองเจลิส ดังที่ยังคงเป็นมาจนถึงทุกวันนี้ โครงการศิลปะกลางรับคนทั้งประเทศเป็นส่วนหนึ่งของโครงการ มันนำการจัดนิทรรศการ ศูนย์การศึกษา และบทเรียนศิลปะข้ามภูมิภาคที่ไม่ได้รับการบริการอย่างดี และเข้าสู่ชุมชนที่ถูกตัดสิทธิ์จากวัฒนธรรมอย่างมาก

ดังนั้น นอกจากนิทรรศการการเดินทางแล้ว สิ่งสำคัญอย่างหนึ่งของโครงการศิลปะแห่งชาติก็คือศูนย์ศิลปะชุมชน ในชุมชนเช่น Harlem หรือ South Side of Chicago โอกาสที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนสำหรับศิลปินแอฟริกันอเมริกัน เราไม่มีแม้แต่โปรแกรมแบบนั้นในวันนี้

เท่าที่กำเนิดมีสามสิ่งที่ควรคำนึงถึง

อย่างแรกคือ [วันนี้] สหรัฐฯ อาจมีการจ้างงานถึงระดับที่ไม่เคยมีมาก่อนตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 1930 หรือแย่กว่าช่วงทศวรรษที่ 30 ด้วยซ้ำ ในช่วงทศวรรษที่ 30 รัฐบาลมองว่าเป็นหน้าที่ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของหน้าที่ที่จะต้องให้การสนับสนุนทางเศรษฐกิจแก่ศิลปินที่ต้องการความช่วยเหลือ ดังนั้นพวกเขาจึงมอบหมายให้ผลิตงานศิลปะสาธารณะ ภาระผูกพันนั้นเป็นสิ่งที่เราไม่เห็นอย่างแน่นอนในการบริหารปัจจุบัน

นอกจากนั้น ยังมีแบบอย่างที่เห็นได้ชัดเจนสำหรับเรื่องนี้ในเม็กซิโก รัฐบาลเม็กซิโกอยู่เบื้องหลังขบวนการจิตรกรรมฝาผนังเม็กซิกัน – ให้ทุนสนับสนุนและสนับสนุนเป็นเวลาหลายปี เป็นความคิดริเริ่มที่สร้างขวัญกำลังใจและสร้างชาติเป็นอย่างมาก หลังการปฏิวัติในเม็กซิโก เม็กซิโกจำเป็นต้องหาวิธีสร้างประวัติศาสตร์ร่วมกัน ในช่วงทศวรรษที่ 1930 รัฐบาลสหรัฐฯ เล็งเห็นประโยชน์ของวัฒนธรรมที่ไม่เพียงแต่สร้างและสนับสนุนการพัฒนาเอกลักษณ์ของชุมชน แต่ยังรวมถึง เอกลักษณ์ประจำ ชาติซึ่งเป็นศิลปะอเมริกันอย่างแท้จริง

ที่เกี่ยวข้องกับการเมืองของศิลปะในระดับสากลในช่วงเวลานั้น เราเห็นรัฐประเภทต่างๆ ตั้งแต่รัฐคอมมิวนิสต์ไปจนถึงรัฐฟาสซิสต์ไปจนถึงรัฐประชาธิปไตยอเมริกัน โดยใช้ศิลปะเป็นแนวทางในการสร้างฉันทามติ สร้างการสนับสนุนนโยบายของตน และทำให้เวทีการเมืองของตนเองและมุมมองของสังคมเป็นที่ประจักษ์ในวงกว้าง ผู้ชมจำนวนมากที่หลากหลาย มีความสนใจอย่างแท้จริงในประชานิยมทั่วทั้งสเปกตรัมทางการเมืองในขณะนั้น รูสเวลต์และข้อตกลงใหม่กำลังทุ่มสุดตัวกับประเทศอื่น ๆ ที่ทำสิ่งเดียวกันเป็นอย่างมาก แต่ไปในทางที่ต่างกัน

Alissa Wilkinson

แล้วพวกเขาเลือกศิลปินที่จะจ้างยังไง?

Jody Patterson

ดังนั้น อีกครั้ง การแยกความแตกต่างระหว่าง Federal Art Project กับสิ่งที่เรียกว่าTreasury Section of Fine Artsเป็นสิ่งสำคัญมาก และที่สำคัญกว่านั้นคือการจ้างศิลปินที่มีชื่อเสียงและเป็นที่ยอมรับซึ่งสามารถผลิต “งานศิลปะที่มีคุณภาพ” ได้ ดังนั้นจึงมีการแข่งขันสำหรับแผนกธนารักษ์ และงานศิลปะส่วนใหญ่—จิตรกรรมฝาผนังและประติมากรรมสาธารณะเป็นสิ่งที่มองเห็นได้มากที่สุด—ถูกนำไปใส่ในอาคารของรัฐบาลกลาง

ในแง่ของอาณัติที่แพร่หลายมากขึ้นของโครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐ: นั่นคือโครงการบรรเทาทุกข์ นั่นคือการจัดหางานให้กับศิลปินที่ว่างงาน มันถูกทดสอบด้วยวิธีการและไม่ได้ขึ้นอยู่กับทักษะทางเทคนิคและคุณภาพ แน่นอนว่ามีความสนใจในสุนทรียศาสตร์และสไตล์ แต่มันเปิดกว้างมากขึ้นสำหรับความหลากหลายทางโวหาร

มีข้อแม้เพียงสองประการ: คุณไม่สามารถสร้างภาพเปลือยและคุณไม่สามารถแก้ไขปัญหาทางการเมืองโดยตรง เส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับการโฆษณาชวนเชื่อเป็นเรื่องที่ยุ่งเหยิงจริงๆ แต่คุณไม่สามารถพูดถึงประเด็นทางการเมืองหรือสร้างภาพเปลือยได้โดยตรง

ไม่มีอะไรสมบูรณ์แบบ ดังนั้นจึงมีปัญหาบางประการเกี่ยวกับเสรีภาพในการแสดงออกและการเซ็นเซอร์ โครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐจ้างศิลปินกว่า 10,000 คนทั่วประเทศ และพยายามนำศิลปะไปสู่สาธารณชนในวงกว้างที่สุด ดังนั้นงานเหล่านั้นที่กลายเป็นของสะสมของคนอเมริกันจึงต้องถูกเก็บสะสมในที่สาธารณะ เช่น โรงพยาบาล โรงเรียน ที่ทำการไปรษณีย์ โครงการบ้านเรือน อะไรทำนองนั้น รับรองว่างานเหล่านั้นจะเป็นส่วนหนึ่งของชุมชน

ซึ่งแตกต่างจากกรมธนารักษ์มาก ศิลปินใช้ประเด็นมากมายเกี่ยวกับนโยบายของกระทรวงการคลัง

Alissa Wilkinson

เมื่อคิดถึงเรื่องนี้จากที่ที่เรานั่งอยู่ในปี 2020 ฉันรู้สึกประทับใจกับสิ่งที่ดูเหมือนจะเป็นโลกที่ต่างไปจากเดิมในช่วงทศวรรษที่ 1930 เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงโลกที่คุณสามารถจ้างศิลปิน 10,000 คน ให้อิสระทางศิลปะแก่พวกเขา บอกพวกเขาว่าอย่าพูดถึงประเด็นทางการเมือง และคิดว่ามันเป็นสิ่งที่เป็นไปได้ด้วยซ้ำ ทุกวันนี้ ทุกสิ่งทุกอย่างถูกบังคับโดยเลนส์ทางการเมือง ซึ่งเรามักจะหมายถึงเลนส์ของพรรคพวก ตอนนั้นมีการต่อสู้ด้วยเหรอ?

Jody Patterson

ไม่เหมือนกับว่าเป็นที่ยอมรับในระดับสากล ที่น่าจะเป็นโมเดลจากบนลงล่าง ผลประโยชน์และผลประโยชน์มากมายของโครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐมาจากการจัดระเบียบของศิลปินผ่าน ตัวอย่างเช่นสหภาพศิลปิน ความสามารถของพวกเขาที่ยังคงมีส่วนร่วมกับรูปแบบที่หลากหลายและเนื้อหาที่หลากหลายเป็นสิ่งที่พวกเขาต่อสู้เพื่อและปกป้อง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง อย่างที่คุณสามารถจินตนาการได้ เมื่อเผชิญกับ ” ศิลปะที่เสื่อมโทรม ” ของฮิตเลอร์ ซึ่งเป็นปฏิปักษ์ต่อความทันสมัยอย่างสมบูรณ์ของเขา มันเป็นสิ่งเดียวกันกับสตาลินหลังปี 1934 เมื่อมีเพียงสัจนิยมสังคมนิยม เท่านั้น ที่เป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง

ศิลปินคงไว้ซึ่งสิทธิ์เสรีในแง่ของความสามารถในการสร้างเรื่องเล่า หรือใช้รูปแบบและรูปแบบที่ไม่เกี่ยวกับการเมืองอย่างเปิดเผย ดังนั้นคุณจึงไม่สามารถมีส่วนร่วมกับภาพเพเกินและจินตภาพพรรคการเมืองได้ แต่แน่นอนว่า ศิลปินเข้าใจในแบบที่บางทีอาจยังไม่ชัดเจนในตอนนี้ว่าศิลปะทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากประสบการณ์ทางสังคม เศรษฐกิจ และประวัติศาสตร์ งานศิลปะทั้งหมด แม้แต่งานที่ดูเหมือนนามธรรมที่สุดและไม่มีวัตถุประสงค์ ยังคงเป็นอุดมคติ และนั่นก็เข้าใจในแบบที่ฉันไม่คิดว่าเราจำเป็นต้องทำให้ชัดเจน [วันนี้]

ศิลปะทั้งหมดเป็นเรื่องการเมือง และพวกเขารู้ดี ซึ่งหมายความว่าคุณไม่จำเป็นต้องพูดอย่างโจ่งแจ้งเพื่อทำความเข้าใจว่างานศิลปะนั้นมีความหมายภายในชุมชนและสำหรับผู้ชมที่แตกต่างกัน สไตล์, รูปทรง, สี, รูปทรง — ทั้งหมดนี้เป็นส่วนหนึ่งและเป็นส่วนหนึ่งของช่วงเวลาที่งานศิลปะนั้นถูกผลิตและรับ ศิลปินเข้าใจดีว่าด้วยวิธีที่น่าสนใจจริงๆ ดังนั้นจึงมีความสามารถจากล่างขึ้นบนในการใช้ประโยชน์จากความเข้มงวดที่มีอยู่อย่างสร้างสรรค์เกี่ยวกับการเมืองที่ไม่เปิดเผยและไม่มีภาพเปลือย

Alissa Wilkinson

ดังนั้นในขณะนั้น ศิลปินจะได้รับประโยชน์จากการได้รับค่าจ้างและมีงานทำในช่วงเวลาที่ว่างงานสูงมาก มีประโยชน์เพิ่มเติมสำหรับพวกเขาหรือไม่? และชุมชนตอบสนองอย่างไรที่จู่ๆ ก็เห็นการไหลเข้าของศิลปะนี้?

Jody Patterson

ใช่ ศิลปินก็สามารถทำงานได้ พวกเขาได้รับพื้นที่สตูดิโอ วัสดุ ค่าครองชีพ — แต่พวกเขาก็มีผู้ชมด้วย และนั่นเป็นกุญแจสำคัญจริงๆ

ศิลปะเป็นส่วนหนึ่งของบทสนทนา คุณมักจะมีงานนั่งอยู่ในสตูดิโอ หรือในแกลเลอรี่ หรือแขวนไว้เหนือหิ้งของใครบางคน แต่ไม่มีงานต้อนรับในที่สาธารณะ งานศิลปะเหล่านี้มีความคาดหวังในตัวว่าจะมีผู้ชม พวกเขากำลังจะถูกนำออกไปสู่ที่สาธารณะ นั่นเป็นสิ่งสำคัญจริงๆ

นอกจากนี้ยังมีความรู้สึกของชุมชน ศิลปินมักจะพบปะกัน ไม่ใช่แค่ในพื้นที่บางแห่งที่จัดตั้งขึ้นในแง่ของสตูดิโอและเก็บเงิน แต่ในการประชุมสหภาพแรงงาน มีฉากสังคม ศิลปินถูกถอดออกจากความโดดเดี่ยวและความแปลกแยกของหอคอยงาช้าง ปะปนกันและมีปฏิสัมพันธ์กันโดยมีการอภิปรายกัน

ตัวอย่างเช่น วิลเล็ม เดอ คูนิงศิลปินชื่อดังของโรงเรียนนิวยอร์กได้ตั้งข้อสังเกตครั้งแล้วครั้งเล่าว่า [การเป็นส่วนหนึ่งของ] โครงการศิลปะของ WPA เป็นครั้งแรกที่เขาคิดว่าตัวเองเป็นศิลปินได้ มันไม่ใช่งานอดิเรก ไม่ใช่สิ่งที่เขาทำในเวลาว่าง – เพราะแน่นอนว่าศิลปินต้องทำอย่างอื่นเสมอ พวกเขามีงานอื่นเสมอ ต้องสอน ตอนนี้เราสามารถนึกถึงศิลปินในฐานะคนทำงาน เป็นมืออาชีพ และเป็นคนที่สามารถสร้างคุณูปการที่สำคัญและสำคัญให้กับชีวิตชาวอเมริกันได้

นั่นไม่ใช่กรณีเสมอไป ศิลปินมักดิ้นรนกับการระบุว่าตนเองเป็นเช่นนี้ และถูกระบุและสนับสนุนและยอมรับเช่นนั้น

Alissa Wilkinson

ถูกต้อง. รู้สึกเหมือนไม่ใช่วิธีที่คนอเมริกันคิดเกี่ยวกับ “ผลผลิต” ศิลปะจะไม่เกิดผลเว้นแต่ว่าจะทำเงินได้มากมาย เช่น หนังฮอลลีวูด หรือมีการตกแต่งในทางใดทางหนึ่ง บ่อยครั้งที่ศิลปะเป็นชิ้นแรกบนเขียงจากงบประมาณสาธารณะเพราะเป็น “พิเศษ” แต่มันไม่ใช่อย่างนั้นทุกที่ในโลก จะยุติธรรมหรือไม่ที่จะบอกว่าในช่วงทศวรรษที่ 1930 เราเห็นศิลปะในแบบที่เราอาจเชื่อมโยงกับกรอบงานของยุโรปมากขึ้นในตอนนี้ และนั่นเป็นส่วนหนึ่งของความต่อเนื่องของความคิดแบบอเมริกันหรือเป็นช่วงเวลาที่ผิดปกติหรือไม่?

Jody Patterson

ไม่ มันผิดปกติ สิ่งที่ New Deal เปิดใช้งาน ไม่เพียงแต่ในแง่ของวาทศิลป์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงในแง่ของเงินทุนจริงด้วย เป็นเศรษฐกิจทางเลือกของศิลปะ มันเปลี่ยนฐานทางสังคมและเศรษฐกิจสำหรับวัฒนธรรมออกจากสินค้าฟุ่มเฟือยที่ขับเคลื่อนด้วยตลาด

ศิลปะมาก่อนข้อตกลงใหม่ และหลังจากข้อตกลงใหม่ มีข้อยกเว้นบางประการ อาศัยการอุปถัมภ์ของเอกชนและการทำบุญของสถาบันที่ร่ำรวยและชนชั้นสูง: แกลเลอรี่ พิพิธภัณฑ์ ตัวแทนจำหน่าย มีการเปลี่ยนแปลงอย่างแท้จริงในด้านเศรษฐศาสตร์พื้นฐานและความเข้าใจทางสังคมเกี่ยวกับคุณค่าของศิลปะ มันไม่ใช่ของดีที่หรูหรา มันถูกมองว่าเป็นส่วนสำคัญของสิ่งที่ประกอบเป็นประชาธิปไตย

ศิลปะสำหรับรูสเวลต์และผู้ค้ารายใหม่ถูกมองว่าเป็นองค์ประกอบพื้นฐานของสังคมประชาธิปไตยอย่างแท้จริง ประชาธิปไตยไม่สามารถเรียกตัวเองว่าเป็นเช่นนั้นได้หากปราศจากศิลปะ ดนตรี ละคร บทกวี การเขียน การออกแบบ การถ่ายภาพ ภาพยนตร์

ดังนั้นสำหรับรูสเวลต์ นี่คือวิถีชีวิตแบบอเมริกัน ประสบการณ์อันรุ่มรวยนี้ และการเข้าถึงวัฒนธรรมได้เป็นประชาธิปไตยแบบที่เขาอุปถัมภ์ แน่นอน โครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐเริ่มต้นขึ้นเมื่อราวปี 1935 และกิจกรรมของโครงการได้สิ้นสุดลงในปี 1943 เมื่อสหรัฐฯ เปลี่ยนไปเป็นเศรษฐกิจสงคราม

ในปี 1970 จากปี 1973 ถึง 1980 มีความคิดริเริ่มอีกประการหนึ่งที่ใช้แบบจำลองและแรงบันดาลใจของข้อตกลงใหม่: พระราชบัญญัติการจ้างงานและการฝึกอบรมที่ครอบคลุม. มีการลงนามในกฎหมายโดย Richard Nixon และไม่ได้ออกแบบมาโดยเฉพาะสำหรับศิลปิน — อีกครั้ง มันเป็นส่วนหนึ่งของความคิดริเริ่มที่กว้างขึ้น — แต่จบลงด้วยการจ้างงานและสนับสนุนศิลปินมากกว่า 10,000 คน ซึ่งเท่ากับของ Federal Art โครงการ. มันกินเวลาผ่านการบริหารของพรรครีพับลิกันสองแห่งและการบริหารแบบประชาธิปไตยหนึ่งแห่ง และแทบไม่มีการเน้นย้ำถึงเรื่องนั้นมากเท่ากับกรณีศึกษาทางประวัติศาสตร์ ก็มักถูกมองข้าม แต่แน่นอนว่านั่นนำบทเรียนและมรดกบางอย่างของโครงการศิลปะแห่งสหพันธรัฐมาใช้ และเป็นเรื่องสำคัญในแง่ของงานชุมชนที่ทำ ในการปลูกฝังแนวคิดเรื่องการทำให้เป็นประชาธิปไตยในวัฒนธรรม ไม่ได้จำกัดอยู่แค่ใจกลางเมืองไม่กี่แห่ง แต่แผ่ขยายไปทั่วประเทศในชุมชนที่ไม่ได้รับใช้วัฒนธรรมในวงกว้าง

มีโครงการ [ที่ไม่ใช่ภาครัฐ] แบบนี้ด้วย ตอนนี้แคมเปญ Back to the Streetsมีเป้าหมายเพื่อสร้างภาพจิตรกรรมฝาผนัง 1,000 ภาพโดยศิลปิน 1,000 คนใน 100 เมืองบนกำแพงสาธารณะที่เจ้าของธุรกิจและเจ้าของอสังหาริมทรัพย์เสนอให้ พวกเขารับทราบว่าพวกเขากำลังมองย้อนกลับไปที่ตัวอย่างของข้อตกลงใหม่ และแน่นอนว่าภาพจิตรกรรมฝาผนังในที่สาธารณะมักเป็นโครงการที่มองเห็นได้ชัดเจนที่สุด นั่นคือการย้อนกลับไปสู่ปรัชญาที่สนับสนุนข้อตกลงใหม่โดยตรง ซึ่งก็คือArt as Experienceของ John Dewey ได้รับการตีพิมพ์ในปี 1934 และมีผลกระทบอย่างมากต่อการที่วัฒนธรรมได้รับการโอบรับ มีส่วนร่วม และสนับสนุนในช่วงทศวรรษที่ 30 และที่เกิดขึ้นในขณะนี้!

ฉันไม่คิดว่าในสภาพอากาศปัจจุบันเราจะสามารถทำซ้ำโครงการศิลปะของรัฐบาลกลาง New Deal และในบางแง่มุมก็มีรูปแบบอื่น ๆ ที่เป็นที่ต้องการมากกว่า

ฉันขอแนะนำว่าบางทีปัญหาสำคัญที่เราต้องเผชิญกับการกลับชาติมาเกิดของข้อตกลงใหม่ในบริบทปัจจุบัน — นอกเหนือจากการเป็นปรปักษ์กันของการบริหารของทรัมป์ต่อวัฒนธรรม — ก็คือแนวคิดศิลปะร่วมสมัยของเรานั้นแตกต่างจากที่เป็นอยู่มาก ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เรามีแนวคิดที่ซับซ้อนมากขึ้นเกี่ยวกับสิ่งที่ถือเป็น “สาธารณะ” ในขณะนี้ แนวคิดของ “สาธารณะ” ในแง่ของความเท่าเทียมทางเชื้อชาติ เพศ เพศ ชาติพันธุ์ สิ่งเหล่านี้กำลังถูกเปิดเผย

และเรามีแนวคิดที่ขัดแย้งกันมากขึ้นเกี่ยวกับ “รัฐ” ซึ่งเป็นรัฐสหพันธรัฐ เมื่อเทียบกับตอนนั้น ตัวอย่างเช่น แนวคิดเรื่องการแทรกแซงของรัฐบาลกลางไม่เป็นที่พอใจโดยฝ่ายบริหารของพรรครีพับลิกัน ศิลปะถูกมองว่าเป็นชนชั้นสูงหรือแค่ไม่ใช่ธุรกิจของรัฐบาล ในแง่ที่ว่าไม่ใช่สิ่งที่รัฐบาลควรเข้าไปเกี่ยวข้อง

ดังนั้นการพยายามทำซ้ำโครงการศิลปะ New Deal จึงเป็นเรื่องยากมาก แต่การเปลี่ยนแปลงพื้นฐานของศิลปะทางสังคมและเศรษฐกิจยังคงมีเสียงสะท้อนอยู่มาก และฉันสงสัยว่านั่นเป็นสาเหตุที่เราคุยกันเรื่องนี้ แนวคิดเกี่ยวกับงานศิลปะที่เปิดเผยต่อสาธารณะและแนวคิดที่กว้างขึ้นเกี่ยวกับสิ่งที่ “ศิลปะ” และสิ่งที่ “สาธารณะ” คืออะไร ยังคงน่าสนใจอย่างไม่น่าเชื่อ

ฉันคิดว่าความพยายามใด ๆ ที่เราทำเพื่อตรวจสอบประวัติศาสตร์ซ้ำแล้วซ้ำอีกจำเป็นและสำคัญจะต้องกลายเป็นคำอธิบายเกี่ยวกับปัญหาร่วมสมัยเช่นกัน แน่นอนว่านั่นเป็นสิ่งที่สามารถให้ความหวังแก่เราได้

Alissa Wilkinson

ฉันเคยคุยกับคนในอดีตเกี่ยวกับการบริจาคศิลปะแห่งชาติและทำไมพวกเขาถึงสนับสนุนให้องค์กรดำรงอยู่ในฐานะหน่วยงานของรัฐเลย สิ่งหนึ่งที่ผู้คนสังเกตเห็นคือศิลปะสร้าง “เส้นทาง” ซึ่งศิลปะ การค้าขาย และผู้คนสามารถเดินทางได้ ไม่ให้ทุนแก่งานศิลปะแต่ละชิ้นมากเท่ากับโครงสร้างและสถาบันที่ความคิดสร้างสรรค์และนวัตกรรมทางศิลปะระหว่างและในชุมชนต่างๆ สามารถเจริญได้ คุณคิดอย่างไรเกี่ยวกับเรื่องนี้? และวันนี้จะเกิดอะไรขึ้น?

Jody Patterson

ก่อนอื่น ฉันเป็นนักประวัติศาสตร์ ไม่ใช่ผู้บริหารของรัฐ ฉันควรทราบด้วยว่าฉันไม่ใช่คนอเมริกัน ฉันเป็นคนแคนาดา เมื่อฉันแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับนโยบายการเมืองและเศรษฐกิจของอเมริกา ฉันกำลังทำมันในฐานะคนที่ไม่ใช่พลเมือง

แต่ในบางวิธี ฉันกำลังพยายามให้ความรู้และเปลี่ยนแปลงแนวคิดที่ว่าศิลปินเป็นใครและศิลปะคืออะไร เพื่อที่จะได้ขยายแนวคิดนั้นออกไป นอกเหนือจากการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะแต่ละชิ้นที่ New Deal ทำและ NEA ทำแล้ว พวกเขายังพบวิธีการสร้างและกระจายผู้ชมผ่านการย้ายไปยังภูมิภาคต่างๆ ด้วยโปรแกรมต่างๆ เช่น โปรแกรมการศึกษา โปรแกรมนิทรรศการ นั่นเป็นจุดที่ฉันเห็นความเชื่อมโยงของแนวคิดเรื่องการเดินทาง ทำให้เกิดโอกาสและช่องทางในการสัมผัสศิลปะเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตประจำวัน สิ่งนี้ปลูกฝังคำจำกัดความที่กว้างกว่ามากว่าศิลปะคืออะไรและสิ่งที่ศิลปินทำ และการให้สิทธิ์แก่ประชากรที่หลากหลายและครอบคลุมมากขึ้น

เป็นสิ่งสำคัญที่เราคิดว่าศิลปะไม่ใช่วัตถุเฉื่อย แต่เป็นทรัพยากรของชุมชน

Alissa Wilkinson

เป็นเรื่องที่น่าสนใจในขณะที่ผู้คนรวมตัวกันที่บ้านในช่วงการระบาดใหญ่ เพื่อดูว่าศิลปะมีบทบาทสำคัญอย่างรวดเร็วในการเชื่อมโยงผู้คนที่แยกตัวออกจากร่างกายกับชุมชนอย่างไร ฉันได้ดูการแสดงละครสดบน Zoom และเห็นว่าผู้คนตอบสนองต่อพวกเขาอย่างไร หรือสังเกตว่าผู้สร้างภาพยนตร์ได้เผยแพร่ภาพยนตร์ของตนให้ใช้งานได้ฟรี ด้วยแนวคิดที่จะเริ่มการสนทนาหรือสร้างชุมชน

Jody Patterson

ใช่! ตรงนั้น. เราต้องคิดว่าใครมีอำนาจในการกำหนดว่าศิลปะคืออะไรและใครเป็นศิลปิน และให้คิดอีกครั้งจากมุมมองระดับรากหญ้าจากล่างขึ้นบนมากกว่าจากบนลงล่างที่ขับเคลื่อนด้วยตลาด

Alissa Wilkinson

เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะเห็นผู้จัดจำหน่ายนำภาพยนตร์ของพวกเขาที่เกี่ยวข้องกับประเด็นต่างๆ เช่น การรักษา การแข่งขัน และการเคลื่อนไหว Black Lives Matter ออนไลน์ฟรีในระหว่างการประท้วง Black Lives Matter การประเมินมูลค่าของผลงานเหล่านี้แทบจะเปลี่ยนไปเป็นงานศิลปะ

Jody Patterson

ใช่เลย อีกครั้ง “คุณค่า” ไม่ใช่ข้อเท็จจริงบางประการ มันถูกกำหนดโดยผู้คนและเพื่อผู้คน ดังนั้นหากต้องการเปลี่ยนผู้ที่จะตัดสินใจว่าสิ่งใดมีค่า — หากนั่นเป็นมรดกจากประสบการณ์ปัจจุบันของเรา นั่นก็เป็นเรื่องที่น่าทึ่งและยินดีเป็นอย่างยิ่ง

ฉันอยู่ในโคลัมบัส โอไฮโอ และจากการประท้วงและการประท้วง กระดานทั้งหมดก็สูงขึ้น ทางสัญจรหลักหลายแห่งในเมืองมีการขึ้นรถทั้งหมด เกือบจะในทันที สภาศิลปะเกรทเตอร์โคลัมบัสเห็นความจำเป็นในการสนับสนุนศิลปิน และโอกาสในการเข้าถึงผู้ชมที่ไม่จำเป็นต้องรู้สึกยินดีในพิพิธภัณฑ์ พิพิธภัณฑ์และหอศิลป์ปิดให้บริการอยู่แล้ว ดังนั้นศิลปะที่เราพบจึงอยู่บนถนน

หลังจากการประท้วงในตัวเมือง ศิลปินกว่า 400 คนในสัปดาห์ที่แล้วได้รับเงินบริจาคเพื่อทาสีอาคารเรียน ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่น่าสนใจที่สุดบางภาพที่ฉันเคยเห็นนอกเม็กซิโก และฉันยังใช้เวลาอยู่ในเบลฟัสต์ด้วย ซึ่งภาพจิตรกรรมฝาผนังเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์ในชีวิตประจำวัน ทั้งในแง่ของสุนทรียศาสตร์ แต่ยังชี้ให้เห็นถึงความคิดเห็นเกี่ยวกับการเมืองอย่างชัดเจนด้วย — เรามี ที่เกิดขึ้น ฉันแน่ใจว่ามันเกิดขึ้นในที่อื่น

เพื่อใช้โอกาสในการเปลี่ยนบอร์ดดิ้งบอร์ดเหล่านี้เป็นสิ่งที่สามารถสร้างการสนทนาและการตอบสนองของชุมชน และนำงานศิลปะไปไว้ที่นั่นทุกถนนในเมือง — เป็นช่องทางที่เงียบสงบสำหรับเสียงสนับสนุนสำหรับ Black Lives Matter และเป็นที่สำหรับแสดงความคิดเห็น แต่ ในแง่สุนทรียศาสตร์โดยใช้รูปแบบและสีและรูปร่างและตัวเลขและข้อความ นั่นเป็นวิธีการที่แตกต่างกันในการแบ่งปันความรู้ ข้อมูล และแนวคิด

หน้าแรก